Es de sobra conocida la escasísima cantidad de películas españolas centradas en su etapa más esplendorosa: la época que va desde 1492 hasta finales del siglo XVII. Son sólo unas pocas películas las que se han hecho sobre este periodo y de muy baja calidad, más centradas en glorificar un pasado al que algunos pretendían regresar. Si hablamos de adaptaciones literarias o biográficas de los grandes nombres de la época, tales como Calderón de la Barca, Velázquez o Murillo, el número es incluso más inferior en calidad y cantidad. Si uno compara el fruto que los ingleses o franceses le han sacado a su periodo imperial, la derrota española es por goleada.
Una de las pocas películas españolas sobre el periodo imperial que verdaderamente merece la pena, sin alcanzar el grado de obra maestra, es El rey pasmado de Imanol Uribe y basada en la novela de Torrente Ballester Crónica del rey pasmado. El argumento se centra en la obsesión que el rey Felipe IV tiene con una prostituta a la que conoce.
El propósito de este artículo no es el de analizar la película de Uribe sino el de comentar la sinopsis que se puede leer en la grandísima mayoría de sinopsis que existen en internet sobre esta película. Se preguntaran cómo he llegado aquí. El otro día, mientras buscaba un artículo sobre Felipe IV, di con una sinopsis de El rey pasmado que comenzaba de la siguiente forma:
"Historia ambientada en el siglo XVIII en la corte del rey de España Felipe IV..."
No tuve más que leer la primera frase del supuesto argumento para darme cuenta de que había un siglo de más. El rey Felipe IV accedió al trono en 1621, tras el fallecimento de su padre Felipe III, y estuvo en éste hasta su muerte en 1665. Tras leer eso, me entró la curiosidad de introducir dicha frase en el buscador de Google junto con el título de la película. El resultado me dio nada más y nada menos que 12.500 resultados de páginas en las que el resumen del argumento de la película comienza con dicha frase.
A continuación, introducí los mismos términos pero cambiando siglo XVIII por siglo XVII que es el que le correspondería de estar bien redactada la sinopsis. Resulta que no hay ni una sola página que contenga dicha frase en relación a la película de Aranda.
¿Hasta que punto es fiable internet a la hora de realizar una búsqueda? A tenor de los resultados mostrados, es muy poco fiable. Pero lo peor de todo es la extensión de un fenómeno, que va acompañado de algunas de las peores virtudes del ser humano, como son la ignorancia y la pereza, y que es el de "copiar y pegar". Y el que venga detrás mía que se busque la vida, deben pensar los que alimentan este fenómeno.
¿Adónde estamos llegando? ¿En que se está convirtiendo la red de redes? El error temporal en la frase no sólo encierra ignorancia sino desprecio a todo aquel que va a leer la información. Varias veces he recibido ya un e-mail en el que García Márquez se despedía de todos con unas frases que el autor colombiano nunca diría y que son más propias de las novelitas de Corín Tellado. A mal sitio vamos si utilizamos, encima, los grandes nombres de la literatura para otorgarnos autoridad y atraer la atención.
¿Conoce la gente la historia de España? ¿Puede estar relacionado este desconocimiento generalizado de la época histórica más importante del país con el hecho de que no se hagan películas sobre dicho periodo?
La pregunta "¿quién descubrió América?" se ha usado siempre en España como paradigma del conocimiento compartido, de algo fácil de responder. Sin embargo, termino el artículo con la duda acerca de si existe un abismo en dicho conocimiento compartido y lo que vino después del descubrimiento. ¿Saben, los que han copiado la sinopsis con el siglo equivocado, que Felipe IV no vivió en el siglo XVIII o simplemente no leen las cosas antes de publicarlas? Internet nos ha servido y sirve a muchos para expandir conocimientos. Desafortunadamente, a la mayoría sólo le ha servido para expandir el desconocimiento. La frase que he traído aquí hoy es un claro ejemplo de ello.
Por fin tengo tiempo para volver a escribir en el blog. Espero seguir a buen ritmo en los meses de verano. Después del periodo estival, todo dependerá de lo ocupado que esté y del tiempo libre que tenga para compartirlo en este espacio de cine que, espero, estén disfrutando la mayoría.
Casualmente, un tema que me ha llamado mucho la atención tiene unos protagonistas muy parecidos a los del último tema que traté allá por noviembre. Sólo han pasado 7 meses y medio. Si en aquella ocasión los protagonistas eran un crítico de El País, Borja Hermoso, y un afamado director español, José Luis Garci, en ésta, los protagonistas son Carlos Boyero y Pedro Almodóvar. La diferencia es que, en aquel caso, el director no respondió públicamente al crítico, algo que sí ha sucedido en esta ocasión.
Carlos Boyero es un conocido crítico. Estuvo trabajando durante varios años para El Mundo y, desde 2007, colabora en El País desde el que entrega su crónica semanal y charla con los lectores del diario cada semana. A partir de sus textos y encuentros, nos desvela su personalidad y estilo. Ha sido enviado especial del periódico en el Festival de Cannes este año en el que Almodóvar presentó su última película Los abrazos rotos.
El 18 de marzo de este año, Boyero publicó en El País la crítica de Los abrazos rotos (más adelante haré referencia a que dicha crítica tiene muy poco de crítica). El artículo en cuestión está compuesto de nueve párrafos de los cuales seis se dedican a trazar la trayectoria del director llena, según Boyero, de éxitos y fracasos: "su cine jamás ha conocido el fracaso comercial, el público se siente en el placer o en la obligación de pasar por la taquilla, independientemente de que salten en estado orgásmico o echando espuma por la boca, su prestigio es absoluto en cualquier lugar del mundo supuestamente civilizado, rodeado de halagos y de esa atención masiva que él sabe crear y que pueden elevar el narcisismo a límites de frenopático, trascendente y progresivamente barroco, consciente hasta la náusea de que cualquier cosa que lleve su firma es un acontecimiento cultural y sociológico." Boyero destaca como grandes películas de Almodovar a Mujeres al borde de un ataque de nervios, Átame,¿Qué he hecho yo para merecer esto? y Volver como refleja en estos seis párrafos, al tiempo que define al director de "magistral vendedor de humo" y califica duramente a Hable con ella y La mala educación.
En mi opinión, el error de Boyero comienza, precisamente, al dedicar tanto espacio a darnos su opinión personal sobre la carrera del director en un artículo crítico destinado, en teoría, a contarnos qué le ha parecido la última película. Parecería que el crítico está utilizando el artículo para darle cera al director en vez de para informarnos sobre la película en cuestión que es, en definitiva, lo que los lectores esperan leer. O al menos es lo que yo esperaba leer.
Es, entonces, cuando llegamos a la opinión, que no crítica, de Los abrazos rotos. Ésta gira en torno a opiniones concretas de Boyero sobre determinados aspectos de la película sin explicar en base a qué realiza tales aseveraciones: "Hay infinitas referencias y homenajes a varios clásicos del cine para que captemos el compartido y penetrante mensaje sobre la creatividad que plantean Almodóvar y sus colegas del alma. Y los sentimientos pretenden estar en carne viva, pero como si ves llover. Y lo que observas y lo que oyes te suena a satisfecho onanismo mental. Y no te crees nada, aunque el envoltorio del vacío intente ser solemne y de diseño. Y los intérpretes están inanes o lamentables. La única sensación que permanece de principio a fin es la del tedio. Y dices: todo esto, ¿para qué?"
Me pregunto cuáles son esas referencias y homenajes, por qué ve llover, por qué lo que oye le suena a "satisfecho onanismo mental", por qué no se cree nada, por qué la película es vacía de contenido, por qué la interpretaciones es "lamentable". Boyero realiza una crítica cinematográfica que regresa al lejano pasado en el que el crítico se limitaba a darnos una opinión basada en la sensibilidad y no en los aspectos verdaderamente teóricos y críticos y en darnos una explicación aportando datos precisos para argumentar su opinión. El crítico Boyero se nos presenta como un ególatra que considera que el lector de sus artículos sólo está interesado en conocer su opinión sobre la película en cuestión. Confía mucho Boyero en su poder de atracción, el cual es evidente que existe a tenor de los numerosísimos lectores que le siguen en cada una de sus apariciones en diferentes medios de comunicación. Flaco favor le hace a la crítica cinematográfica.
Llevo siguiendo a Boyero desde hace muchos años y doy fe del gran conocimiento del cine que éste posee. A pesar de ello, todo queda empañado por este tipo de criticas alejadas de su trabajo y más propias del circo de la prensa del corazón o de los enfrentamientos que tienen lugar en los programas de Xavier Sardá. En su carta, Almodóvar no se queja de que haya críticos que piensen que algunas de sus películas sean malas. Se está quejando del desprecio que Boyero muestra en sus comentarios, carentes de toda cualidad crítica, hacia las películas de Almodóvar. Se está quejando de la forma no del fondo. Eso debe quedar muy claro. Y quedaría si todos leyesen el artículo de uno y el de otro. Desgraciadamente no siempre es así.
La polémica suscitada por este enfrentamiento ha sido grande y se está convirtiendo en tema de debate en muchos programas. Unos se están alineando al lado del crítico y otros del del cineasta. Los que están criticando a Almodóvar, ¿leyeron la crítica de Los abrazos rotos publicada en El País por Boyero? Lo dudo mucho. Y ahí está el problema. No hubo crítica alguna sino anti-crítica y desprecio hacia el cine de Almodóvar. Muy poco se dijo de la película y mucho del carácter del cineasta, cosa que poco importa en una crítica y que va en contra de la historia de la crítica y de la teoría del pensamiento occidental. Boyero no merece el título de crítico, no porque no le guste Almodóvar o sus películas, sino porque no cumple con los preceptos históricos de la teoría crítica. Boyero se convierte así en un ciudadano que nos da su opinión como la podría cualquier otro en una barra del bar bajo la compañía de una caña y unas aceitunas rellenas. Un ciudadano que ha visto muchísimo cine, por supuesto. Pero nunca sería un crítico de cine aunque cobre como tal.
Lo peor no es eso. Lo peor es que a los que no les gustan las películas de Almodóvar o a los que simplemente no les cae bien el director por cuestiones políticas, homófobas o ve tú a saber por qué, se han lanzado a degüello sin haber leído las quejas de Almodóvar o, incluso, sin haber visto nunca una película de éste. Muchos se sacan, de la nada, que Almodóvar no aguanta que haya quien diga que sus películas son malas. ¿Creen que es Boyero el único que ataca a sus películas? ¿No puede Almodóvar utilizar su libertad de expresión para criticar a Boyero? Muchos de los anti-Almodóvar se convierten ahora en palmeros de Boyero y defienden la independencia y valentía de este crítico por atreverse a atacar y despedazar la última película del cineasta manchego.
El enfrentamiento entre Boyero y Almodóvar, y la alineación de los anti-Almodóvar al lado de Boyero, se convierte en una metáfora de la situación intelectual y artística española del momento de la cual ya hemos hablado algunas veces en este blog. En nuestro país, la mayoría de la crítica literaria y cinematográfica, por nombrar las más conocidas, se hace a partir de unos preceptos que nada tienen que ver con criterios artísticos y críticos en sí y mucho con todo lo que rodea al artista. Ese error ha vuelto a ser cometido por Boyero en su artículo. Y yo, en este caso concreto, apoyo a Almodóvar en su reivindicación.
Leo en la edición de El País del viernes 7 de noviembre un artículo, escrito por Borja Hermoso, sobre el fracaso que la última película de José Luis Garci, Sangre de Mayo, ha sufrido en la taquilla pasando de estrenarse con 220 copias a mantener sólo 7 un mes después.
El artículo de Hermoso no hace más que confirmar lo que yo ya predije cuando se estrenó la película: el cine de Garci no es un cine que atraiga a tantos espectadores como para recuperar lo invertido en la realización de dicha película: 15 millones de euros. Hermoso parece criticar las palabras de Garci cuando el director madrileño afirmó que hubiera necesitado el doble de dinero para hacer la película que él tenía en mente. Sin embargo, hay que recordarle a Hermoso que no es el primero que sólo recupera una mínima parte del presupuesto invertido. Volvemos a lo de siempre, a la utilización del arte como arma arrojadiza con fines claramente políticos. Tanto de un lado como de otro.
No voy a volver a dar mi opinión sobre la hipocresía de los mandatarios del Partido Popular y de cómo critican las subvenciones a películas que no recuperan lo invertido y callan cuando son ellos los que invierten en saco roto. Lo que me llama la atención es que, ante estos acontecimientos, siempre me hago la misma pregunta: dejando a un lado las cuestiones y divisiones políticas, ¿tenemos que invertir dinero público en obras de arte sabiendo, de antemano, que no vamos a recuperar ni la décima parte de lo invertido? Esa es la pregunta que nos hacemos muchos españoles hoy en día y que me gustaría que algún día se sentarán en la mesa a debatir no como han venido haciendo hasta ahora sino de una manera alejada de toda influencia política y con la idea de lo que supone el arte para todos, ya sea el cine, la pintura, la literatura, o cualquier otro, como único a tema a tratar manteniéndonos impermeables a todos los intereses políticos que se esconden, de manera torticera, detrás de este debate nacional.
Sinceramente dudo mucho que esto pueda tener lugar a corto plazo en un país en el que todas las opiniones están siempre bañadas de un tinte político muy difícil de limpiar y que impregna tanto las opiniones sobre el tema como las opiniones de lo que escuchan dichas opiniones sobre dicho tema. Así no vamos a ninguna parte. Bueno sí, puede que vayamos juntos, cogidítos de la mano, a reventar nuestro cine por el mero hecho de ser incapaces de presentar, exponer y defender unas ideas ajenas a la dualidad becerril en defensa del analfabetismo que la gran mayoría suele hacer.
Ayer se anunció en Sevilla, con motivo del Festival de Cine Europeo de la ciudad andaluza, las películas nominadas a los premios que la Academia Europea de Cine otorgará el próximo 6 de diciembre en la ciudad danesa de Copenhague.
Son seis las películas nominadas al premio a la mejor película del año 2008: las italianas Il Divo de Paolo Sorrentino y Gomorra de Matteo Garrone; la francesa Entre les murs de Lauren Cantet; la española El orfanato de Juan Antonio Bayona; la británica Happy Go Lucky de Mike Leigh; y la coproducción israeli-franco-alemana Waltz with Bashir, dirigida por Ari Folman.
Los demás españoles nominados son Belén Rueda por El orfanato, nominada a la mejor actriz del año; Fernando Velázquez y Oscar Faura, de la misma película, a mejor compositor y fotografía respectivamente; y Fados de Carlos Saura al mejor documental.
Me llama la atención que REC no haya sido nominada a ningún premio aunque también es cierto que, a excepción de la de Bayona, no he visto ninguna de las otras películas nominadas. Parecía que partía con muchas expectativas para entrar en la lista de finalistas al igual que Atonement que sí estuvo en la lista de las cinco nominadas para el Oscar a la mejor película del año pasado. A excepción de Belén Rueda, y viendo el "huracán Gomorra", veo con pocas posibilidades que los nuestros se traigan algún premio. Al fin y al cabo, este año no ha sido uno de los mejores para el cine español. Esperamos con ganas el año que viene en el que nuestros directores más importantes, como Amenabar y Almodóvar, estrenarán película para resarcirnos de esta pobre cosecha.
Dentro de un mes, volveremos para hablar de los resultados finales que se conocerán a partir de la votación de los 1.800 miembros que componen la Academia Europea del Cine en su vigesimoprimera edición.
El conocido escritor italiano Roberto Saviano presentó la película Gomorra acompañado del director de la misma Matteo Garrone en el Teatro Lope de Vega de la capital hispalense.
Como veníamos diciendo, Saviano ha sido amenazado de muerte por la mafia napolitana, conocida como la camorra, después de que su libro vendiera dos millones de copias por todo el mundo. En dicho libro, se cuenta la brutalidad de la mafia de la ciudad italiana de Nápoles a modo de documental novelado. Saviano se encargó de visitar, uno a uno, las escenas producidas con posterioridad a los asesinatos mafiosos, describiendo, con gran detalle, lo que se iba encontrando en los diferentes lugares.
La película se estrenó ayer al tiempo que sabíamos que había sido nominada para el premio a la mejor película europea en las nominaciones anunciadas en Sevilla por la Academia Europea del Cine.
El Festival de Cine Europeo de Sevilla dará comienzo mañana.
Este festival sevillano parecía empezar con pocos alicientes hace unos años. Sin embargo, se ha ido abriendo un hueco importantísimo en el panorama cinematográfico europeo, condición que viene avalada por el hecho de que la Academia de Cine Europeo haya decidido hacer públicas las nominaciones de los premios del cine europeo, los Oscars del Viejo Continente, este sábado en la capital hispalense. Eso dice mucho del progreso del festival y del enorme esfuerzo que los organizadores han venido poniendo para que el festival vaya creciendo más y más cada año. Este año se emitirá un total de 140 películas entre el Teatro Lope de Vega y las salas del Centro Comercial Nervión Plaza.
Aparte del anuncio de las películas que competirán por los premios de la Academia, en el festival van a tener lugar numerosos eventos que lo hacen de lo más apetecible. Para empezar de forma fuerte, el primer día, y en la gala de inauguración, contarán con la presencia del famoso escritor italiano Roberto Saviano, autor de la aclamada novela sobre la mafia napolitana Gomorra y cuya adaptación cinematográfica, dirigida por Matteo Garrone, se estrenará en Sevilla el viernes a las 4 de la tarde en la sala 16 del Centro Comercial Nervión Plaza. La obra literaria y fílmica muestra tal realismo y presenta un retrato tan duro y crudo de la mafia, que han llegado incluso a amenazar de muerte a Garrone. Esta película es, hoy por hoy, la máxima favorita a llevarse el Oscar a mejor película de habla no inglesa aunque, de los Oscars, mejor hablar dentro de unos meses, aunque puede que, antes, se lleve el premio a mejor película europea del año en la gala que se celebrará en Copenhage el día 6 de diciembre.
Además de este gran estreno, el Festival rendirá un homenaje, a modo de retrospectiva, al cineasta español José Luis Borau con numerosas conferencias que han estudiado a fondo la obra del director aragonés, creador de Furtivos y de la serie para TVE Celia. Igualmente se emitirán películas suyas como Río abajo o Hay que matar a B.
El Festival también celebrará el centenario del nacimiento de David Lean a través de la emisión de diferentes películas realizadas por el director británico como Lawrence de Arabia, La hija deRyan o Cadenas Rotas.
Aparte de homenajes, serán varias las directoras europeas las que presentarán sus películas en Sevilla. Entre ellas, destacan la islandesa Sólveig Anspach con Back Soon; la holandesa Mijke de Jong que presentará Katia’s Sister y la rusa Marina Razbezhkina con The Hollow. Igualmente, se emitirá la película polaca Katyn de Andrzej Wajda, aclamada en diferentes festivales, que narra la masacre de ciudadanos y militares polacos a manos de los soviéticos en 1940, y que es una de las favoritas al premio a mejor película del año de la Academia Europea.
Todo esto y mucho más, hacen del Festival de Sevilla un caramelo apetecible para esos cinéfilos que encuentran tantas dificultades para encontrarse con películas europeas de alta calidad debido a la dictadura del cine norteamericano que afecta a las salas españolas. Lo peor de todo es que aquellos, que nunca van a ver una película no americana, ven alguna y no les parece buena (naturalmente en Europa, como en todos lados, no todo lo que se hace es bueno) quieren clasificar y categorizar a todo el cine europeo a partir de esa mala experiencia lo cual es algo que, casualmente, nunca hacen después de ver cualquiera de los muchos bodrios infumables procedentes de Estados Unidos que rellenan nuestra cartelera. Afortunadamente, no todo lo que viene de América es basura y, de vez en cuando, nos encontramos con alguna obra maestra que, en más de una ocasión, pasa desapercibida por no contar con el apoyo mediático poderoso de otras.
Después de un mes, se cierra la encuesta que pretendía encontrar a la mejor película de la década actual.
El ganador es El señor de los anillos, la mítica trilogía dirigida por Peter Jackson basada en las historias de Tolkien. Ha ganado por solo un voto a la película española dirigida por Almodóvar Hable con ella.
El objetivo de esta encuesta no es otro que el de encontrar cuál es la película favorita de los lectores de este blog por lo que cada mes elegiremos entre todos la mejor película de las diferentes décadas, desde 1930 hasta el 2000, para, finalmente, llevar a cabo la madre de todas las encuestas: la mejor película de todos los tiempos, de la que formará parte la película ganadora de nuestra primera encuesta, El señor de los anillos.
If you don't want to have a really terrifying experience, don't see “Halloween.” ("Si no quieres tener una experiencia verdaderamente aterradora, no veas "Halloween"") - Roger Ebert (1978)
Lo que distingue a una película de terror del resto de género cinematográficos es la presencia de un personaje que, por cualquier motivo, queda marginado del resto siendo considerado como "el otro", aquel que no mantiene relaciones con ningún otro personaje por poseer características claramente diferentes a los demás. Ese personaje es Michael Myers, como muy bien se encarga de presentarnos el Dr. Loomis, interpretado por Donald Pleasence, en la primera escena justo después de la presentación, a modo de prólogo, en la que el Myers-niño, en 1963, comete su primer asesinato: lo llama "ese ser". Varios años después, Myers se escapa del centro donde lo tenían recluido y vuelve a su pueblo natal, Haddonsfield, en el estado de Illinois.
Una característica distinguidora de las películas de terror es que el espectador reacciona simultáneamente a los personajes que están siendo "perseguidos" por ese personaje. Cuando Myers persigue a Jamie Lee Curtis con la intención de matarla, el espectador siente una parecida sensación de angustia que ella casi de manera sincronizada. Esto es algo que sólo ocurre en las películas de suspense-terror y no en otros géneros. Cuando en una comedia, por ejemplo, tiene lugar una caída tonta pero lastimosa, nos reímos mientras el personaje se duele del golpe. Cuando una película es capaz de despertar esa sensación en el espectador es que estamos hablando de una gran película de terror. Este es el caso de Halloween de John Carpenter y el secreto de su éxito.
Un estupendo Donald Pleasence, una adolescente y casi inexpresiva Jamie Lee Curtis, una calabaza medio podrida y pobremente tallada, y 325.000 dólares, le sirven a John Carpenter para entregarnos una obra maestra que reinventa, de manera brillante, el concepto de terror tal y como lo veníamos conociendo hasta entonces. El personaje de Michael Myers es una mezcla de personajes tomados de películas clásicas del Hollywood de los años 40 y 50 como es el caso de Harry Powell de La noche del cazador de Charles Laughton, interpretado por Robert Mitchum en el papel de su vida, o el de Charles Oakley en la hitchockiana La sombra de una duda. Por supuesto, del mismo modo, la referencia a La cosa de Howard Hawks es más que evidente cuando J. L. Curtis está viendo la televisión con el niño al que está cuidando como canguro. Lo que Carpenter, que realizó un remake de esta película en 1982, nos quiere decir es que esa "cosa" tiene su alter ego en Michael Myers, el cual se encuentra fuera esperando para atacar mientras se refleja en la pantalla del televisor de manera metafórica. Es la idea del ser que se mueve entre sombras, siempre al acecho de sus víctimas, las cuales reciben por sorpresa sus inesperadas acciones.
Se le suele otorgar el mérito a Halloween de dar comienzo al género "slasher", subgénero de terror que presenta un asesino con cuchillo de adolescentes. Sin embargo, existe un referente claro de origen de este tipo de películas que es Psicosis de Hitchcock donde son dos las personas que mueren por las cuchilladas de Norman Bates. La referencia de la mano con el cuchillo en Halloween tiene su base clara en Psicosis. A pesar de todo ello, podría considerarse una especie de antecesor pre-expansionista ya que en dicha película el hecho de que los asesinados sean siempre adolescentes no estaba todavía definido. Considerando a Psicosis como la precursora del género, tenemos a Black Christmas de Bob Clark, de 1974, que puede considerarse como la primera película en colocarse en la categoría slasher. A partir de ahí vendrían Halloween y La matanza de Texas y muchas más que, desafortunadamente, no suelen acercarse a la calidad de las primeras.
Me llama la atención el hecho de que los tres asesinatos que presenciamos en la película involucren a personajes que muestran un gran interés sexual y carnal. Hay que considerar que Myers ataca a todas aquellas mujeres que pretender tener relaciones con otros chicos. En los momentos previos a los ataques, Curtis y su amiga están charlando por teléfono para ver con quién van a ir a la fiesta que se va a celebrar al día siguiente. La otra asesinada, acaba de mantener relaciones sexuales con su novio. Hay algunos críticos que ven en los asesinatos una crítica del descontrol, la inmoralidad y, sobre todo, la promiscuidad de la juventud norteamericana de los años 70. No creo que esa fuera la intención de Carpenter, sin embargo, lo que creo que está claro, es que todos los asesinados, la mayoría del sexo femenino, son jóvenes menores de 20 años que aparecen retratados en la película con unas enormes ganas de mantener relaciones sexuales. Al comienzo de la segunda parte de la película, Myers roba un cuchillo de casa de unos ancianos y se marcha de la casa sin hacerles daño a éstos. Sólo necesitaba una nueva arma para matar a una nueva adolescente que, minutos antes, ha mantenido una conversación con el novio haciéndole saber a éste que sus padres no están en casa y que, por lo tanto, van a poder darse un "revolconcete" en casa. En ningún momento, ninguno de los ancianos corre peligros de ser asesinado. Esto que vemos en Halloween se ha convertido en un dogma en las películas encuadradas dentro del sub-género slasher. Siempre mueren adolescentes con un gran deseo sexual, cosa que, por otra parte, es lógico a esas edades.
Parémonos por un instante en el personaje interpretado por Donald Pleasence. El actor aceptó el papel de Dr. Loomis después de que Christopher Lee y Peter Cushing lo rechazaran por el poco dinero que iban a recibir por su trabajo. Tiempo después, Lee afirmaría que rechazar ese papel fue el error más grave de toda su carrera. La obsesión compulsiva que el Dr. Loomis da comienzo al principio de la película cuando declara haber estado tratando a Myers durante los últimos 15 años de su vida pero que en los últimos lo dio por imposible al darse cuenta de que no había nada que hacer. Consigue que el policía le ayude a cazar a un enemigo que para la gran mayoría es invisible pero que para el Doctor es la obsesión de su vida. Se produce entonces la creación del personaje tipo en las películas de terror: el policía incrédulo, simplón y presuntuoso que verá pagada su incredulidad con la muerte de su hija Annie, amiga de Jamie Lee. La obsesión galopante del Dr. Loomis nos recuerda a la de aquellos personajes enfocados en un objetivo que se convierte en su única aspiración como, por ejemplo, el Capitan Ahab, cuya único objetivo era matar a la ballena Moby Dick. Algo muy parecido le ocurre al Dr. Loomis, empezó a tratar a Myers a la edad de 6 años, y no descansará tranquilo hasta darle muerte. De hecho, como vemos en la segunda parte de Halloween, el Dr. Loomis le da muerte a Myers haciendo explotar la sala del hospital en la que se encontraban después de dejar salir a Laurie. Loomis considera que merece la pena morir si eso supone acabar con la obsesión Myers que es justamente lo que hace el Capitán Ahab con Moby Dick al final de la historia. Pleasence hace un gran papel siendo capaz de transmitir dicha obsesión al espectador lo que contribuye sobremanera a la creación de suspense en la película. Podría decirse que su personaje es el más complejo de todos. Es él único que demuestra unos sentimientos que van más allá del simple grito de horror y gracias a él, a sus intervenciones, es la única forma en que conocemos mejor a Myers. De otra forma, el famoso asesino múltiple sería solo un tipo con una careta y un cuchillo.
El personaje de Michael Myers supone la personificación del mal absoluto. No es humano, señala continuamente el Dr. Loomis a lo largo de la película. Los movimientos que realiza parecen estar perfectamente calculados y precisados para la consecución de un objetivo que parece claro e inatajable desde el principio. El hecho de contar con una careta totalmente blanca le otorga al personaje una cierta individualidad anónima que, paradójicamente, lo hace universalmente perverso.
Jamie Lee Curtis, o debería decir Laurie Strode, es un personaje bastante plano con una misión dual bastante clara: enlazar las dos épocas narradas en la película, 1963 y 1978, al igual que lo hace el Dr. Loomis con su conversación con la enfermera, y, sobre todo, gritar. Halloween fue la película que le otorgó el título de "Reina del grito" a la Señorita Curtis. El grito de Curtis no hubiera sido suficiente por sí sólo si no hubiera ido acompañada por la banda sonora, compuesta por el propio Carpenter, y que es capaz de levantar sensaciones profundas en el espectador bajo la luz del día y con un personaje caminando tranquilamente por la acera de un calle cualquiera de un pueblo norteamericano. A pesar de no ser muy sofisticada consigue acompañar a la película de manera bastante apropiada. Pero no sólo la música acompaña a la película sino también el juego de luces y enfoques que nos hacen creer que Halloween es verdaderamente una noche de terror en la que más nos vale quedarnos en casa encerraditos y tapaditos. Curiosamente, no hay apenas sangre en Halloween, al contrario de las películas que se inspirarían después en ella. No necesita llenar la pantalla de sangre fácil que pueda impresionar fácilmente al espectador poco exigente. El terror que produce llega hacia lo más profundo del corazón y de la mente y, en ningún momento, cae en producir efectos fáciles como la mayoría de películas del género que se hacen hoy en día. La película sólo dura hora y media. Para el cine que se hace hoy en día, sería considerada muy corta pero no lo es en absoluto. Parece corta, a primera vista, porque no cae en ese exceso de metraje absurdo en el que no se cuenta ni se transmite nada. Halloween es como un cuento de Borges en el que el director va directamente al grano, es decir, a intentar que el espectador verdaderamente sienta lo que está buscando y no se pierda en cuestiones innecesarias y superfluas. En definitiva, para eso pagamos la entrada cuando vamos a ver una película de terror.
Dedicado al gran actor Donald Pleasence en el 30 aniversario del estreno de Halloween.
Hoy se ha estrenado en Estados Unidos, W., una película de Oliver Stone.
La película está basada en los ocho años que ha durado la presidencia de George W. Bush. Como no podía ser de otro modo, se trata de una tragicomedia en la que el actor Josh Brolin, el aclamado Llewelyn Moss en No es país para viejos, interpreta al presidente norteamericano.
Teniendo en cuenta que el propio Stone dijo de Bush que no entendía como éste pudo pasar de ser un alcohólico a convertirse en el hombre más poderoso del mundo, la imagen del presidente no creo que salga muy bien parada. Tampoco creo que la mayoría de ciudadanos de este planeta no piensen, más o menos, como el director neoyorquino. Sin embargo, Stone recientemente señaló que la película contiene escenas que sorprenderán tanto a los defensores como a los detractores del "moribundo" presidente.
Hasta el momento, únicamente los críticos han podido ver la película, de entre los cuales destaca el famoso Roger Ebert que ha calificado a la película de excelente.
Llevo varias semanas viendo carteles de la película colgados por las calles e incluso a personas regalándolos a estudiantes universitarios. No cabe duda de que la película tiene un importante trasfondo político, a través del cual, la izquierda norteamericana, y el propio Stone, reconocido izquierdista, quiere concienciar al votante joven para que, a la hora de votar dentro de un par de semanas, recuerde a quién han tenido los últimos ocho años en la Casa Blanca y a qué partido representaba.
Por mi parte, espero ver la película pronto y espero que Stone no se ande por las ramas para describir la presidencia de un hombre que pasó de estar en su rancho de Crawford (Tejas) a dirigir el país más poderoso sobre la tierra, sufrir el peor atentado en la historia de su país en su primer año, colocar al país en una guerra y en una ocupación a la cual no se le ve un fin cercano y que se va a ir dejando a Estados Unidos inmerso en la peor crisis de los últimos 70 años.
Por eso y mucho más será recordado George W. Bush, W. Les dejo con el trailer:
Baten un récord Guinness al ver 57 películas en 123 horas sin dormir
Los concursantes comieron palomitas, charlaron e hicieron ejercicios para lograr mantenerse despiertos
EFE 09-10-2008
El canadiense de origen cingalés Suresh Joachim y la alemana Claudia Wavra han logrado batir un récord Guinness al ver 57 películas en 123 horas y 10 minutos, sin dormir, en una casa de plexiglás instalada en Times Square, en pleno corazón de Nueva York, según anunció ayer el patrocinador del evento.
Joachim, de 39 años, y Wavra, de 31 años, comenzaron este maratón de cine el pasado 2 de octubre con la película 'Iron Man' y terminaron con el clásico contemporáneo 'Thelma & Louise', precisó a través de un comunicado de prensa el servicio de alquiler de vídeos por internet y correo Netflix.
Entre las películas que vieron en cinco días se encontraban 'El caso Bourne', 'Carros de fuego', 'Kill Bill Vol.2', 'El paciente inglés' y 'El club de los chalados'.
Un Times Square, de cine
La actriz Susan Sarandon se acercó hasta Times Square para animar a los ganadores en las últimas horas de este atracón de cine, al igual que lo hicieron muchos neoyorquinos y turistas que pasaban por esta céntrica plaza de Manhattan.
Joachim y Wavra consiguieron superar así el anterior récord de ver películas de forma ininterrumpida establecido en 120 horas y 23 minutos, que mantenía hasta ahora Ashish Sharma, de la India, pero que, en esta ocasión, no fue capaz de aguantar tanto tiempo.
De los ocho participantes que comenzaron la competición, sólo quedaban dos pasadas 72 horas, Joachim y Wavra, amantes del cine y de romper récord Guinness.
Bajo control
Según los términos del concurso, los participantes tenían que ver cada película hasta que terminaban completamente los créditos sin quitar los ojos de la pantalla, aunque se les permitía entre filme y filme descansar diez minutos.
Un equipo de médicos y jueces controló durante la competición a los concursantes, quienes comieron palomitas, charlaron e hicieron ejercicios para lograr mantenerse despiertos cinco días sin dormir viendo películas.
Se ha estrenado la última película dirigida por el director español José Luis Garci. Personalmente, Garci me parece un gran director y he disfrutado, hasta el momento, de todas y cada una de sus películas porque me encanta el estilo tan personal y característico que le otorga a toda su filmografía.
La película se titula Sangre de mayo y cuenta los sucesos históricos que tuvieron lugar en Madrid el 2 de mayo de 1808 aunque, como siempre hace Garci cada vez que adapta una historia literaria, el filme se toma varias licencias. En este caso, la base histórica-literaria se encuentra en los Episodios Nacionales de Galdós y en cómo el gran escritor canario-madrileño nos narra los hechos ocurridos hace justamente 200 años.
La película cuenta con la presencia de una amplia gama de grandes actores como Quim Gutiérrez, Paula Echevarría, Carlos Larrañaga, Manuel Galiana, Fernando Guillén Cuervo, Tina Sainz o Miguel Rellán. Paula Echevarría y Carlos Larrañaga ya estuvieron en la última de Garci, Luz de Domingo, y otros como Fernando Guillén Cuervo o Miguel Rellán ya han trabajado alguna que otra vez con el director madrileño.
Aquí pueden escuchar la entrevista concedida por José Luis Garci a la Cadena SER.
La polémica se ha sumado al estreno de la película. Ésta ha sido totalmente subvencionada por Telemadrid y el gobierno de la Comunidad de Madrid. Hasta ahí todo bien teniendo en cuenta que muchas películas son subvencionadas en España por el gobierno de la nación. Sin embargo, a tenor de las declaraciones que se han escuchado en ciertos sectores hay algo que no encaja. Desde los medios más conservadores, especialmente los periodistas más representativos del diario El Mundo o la Cadena COPE, se ha atacado constantemente al cine español y a los que forman parte de él llegando éstos a ser calificados de "vividores del dinero público" y "titiriteros" del gobierno de Zapatero.
Después de que, desde los medios más conservadores, se pida repetidamente que no se subvencione una cine de baja calidad que poca gente está interesada en ver y que no reporta beneficios económicos para el erario público, ("¿por qué tenemos que mantener un cine pobre con el dinero de todos los españoles?" se preguntan muchos de éstos) me llama mucho la atención que esos mismos voceros que, ejerciendo su libertad de expresión, nos han venido bombardeando, día tras día, con la mala utilización de los fondos públicos que ha realizado el gobierno socialista, no haya dicha todavía esta boca es mía después de los 15 millones que el gobierno madrileño se ha gastado en Sangre de mayo.
Me pregunto también, qué les parece que Esperanza Aguirre, amiga de muchos de estos periodistas, haya tomado la decisión de utilizar 15 millones con el dinero de todos los madrileños para subvencionar una de las películas más caras en la historia del cine español. Desde estos determinados medios se ha venido defendiendo la pobre calidad del cine español en base a la baja asistencia de público en las salas y, por consiguiente, a la baja recaudación de la mayoría de estas películas. ¿Van a salir estos mismos que critican las subvenciones del gobierno socialista a criticar la película de Garci cuando consiga una pobre recaudación, como, con casi total seguridad, terminará pasando? ¿Van a criticar a Aguirre cuando no se recupere de la taquilla ni la cuarta parte de esos 15 millones? ¿O van a defender la película como una obra de arte porque ya se sabe que en este país, para muchos, los artistas son buenos o malos dependiendo de la afiliación política que presenten?
La pregunta final que me hago es probable que no me deje dormir esta noche. ¿Hubieran reaccionado igualmente estos que llaman "titiriteros" a cierto sector del cine español si el gobierno de Zapatero hubiera encomendado a Fernando Trueba y a Javier Bardem realizar una película y le hubiese puesto 15 millones sobre la mesa para hacerla sin tener que presentarse a concurso público?
Siempre defenderé la subvención del cine español porque me parece que hay que ayudar públicamente a fomentar el desarrollo de la industria artística española. Lo que no entenderé nunca es la obsesión que tienen muchos por criticar unas cosas cuando es un determinado sector el que las hace y ahuecar el ala cuando son los suyos los que hacen lo mismo que han venido criticando duramente noche y día.
Sinceramente espero que Garci tenga un gran éxito de taquilla. Lo consiga o no, mi opinión sobre él como uno de los cinco mejores directores españoles de todos los tiempos no va a cambiar ni un ápice. Espero disfrutar mucho con su película.
PD: 10 días después de su estreno, como ya predije, ha desaparecido de la lista de las 10 películas más taquilleras lo cual indica, con mucha seguridad, que la recaudación de la película será, como mucho, una décima parte de su presupuesto.
Ante todo, pase lo que pase, que la providencia mantenga a Garci vivo y haciendo grandes películas durante muchos años. Y ya de paso, que haga callar a esos críticos de cine de tres al cuarto que opinan de todo y no saben de nada.
El Festival Internacional de Cine de Sitges dio comienzo el pasado jueves y durará hasta el próximo domingo 12 de octubre en el que se sabrán los nombres de las películas triunfadoras.
Mirando el programa del festival me llaman la atención varias películas. La primera de ella se titula Trick´r Treat realizada por el famoso director Bryan Singer, creador de Sospechosos Habituales, X-Men y Superman Returns. Como su título indica, está ambientada en la celebración de Halloween y es una mezcla de terror y humor que se espera con ganas en la ciudad catalana y cuyo estreno tendrá lugar el martes próximo.
La segunda película tiene presencia española. Eduardo Noriega es uno de los protagonistas principales de Transsiberian, película dirigida por Brad Anderson, cuya última película fue El Maquinista, y que también cuenta con la espectacular presencia de Woody Harrelson. Esta película es un thriller y cuenta las diferentes historias que le suceden a los personajes que viajan a bordo del famoso tren Transiberiano, el cual realiza el trayecto desde Pekín a Moscú. Ha recibido numerosas críticas positivas, entre las que se encuentra la del famoso crítico norteamericano Roger Ebert. Por lo que he leído me recuerda mucho a Pánico en el Transiberiano (1972) de Gene Martin y a Asesinato en el Orient Express (1974), película dirigida por Sidney Lumet y basada en un famoso relato escrito por Agatha Christie.
Y la última película que me gustaría resaltar de entre las que se van a emitir en el Festival es Hansel y Gretel del director coreano Yim Phil-Sung. La película reinventa el cuento de los hermanos Grimm al estilo de Chicho Ibañez Serrador en la mítica ¿Quién puede matar a un niño?. Un hombre se pierde en el bosque y llega a una casa habitada por tres sombrios niños. Una vez allí, su existencia se convertirá en una pesadilla.
Después de haber leído la programación del festival, estas tres películas son las que más me atraen. Estoy seguro de que cuando vea algunas de las demás, alguna que otra me sorprenderá gratamente. Pero para eso habrá que esperar unos meses.
Harrison Ford ha realizado hoy unas declaraciones al diario norteamericano Los Angeles Times en las que señala que George Lucas estaría preparando una quinta entrega de las aventuras del famoso profesor-aventurero.
Sería una gran noticia para los seguidores de Indy que seguirían nutriéndose de las divertidas y entretenidas historia del Dr. Jones después del enorme éxito de público, aunque no de crítica, cosechado por la cuarta entrega, Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull. Casi tres millones y medio de espectadores solo en España avalan el éxito en las taquillas.
Imagino que habrá que esperar un largo tiempo puesto que la película se hallaría ahora mismo en proceso de pre-producción por lo que supongo que hasta 2011 no habrá nada de nada. Aún no he visto la cuarta entrega aunque debo decir que las tres primeras me parecieron de entre lo más logrado en el cine de aventuras de los últimos 25 años. La trilogía completa. Lo cual es algo que muy pocas trilogías pueden decir. Esperaré a que salga en DVD para poder verla y dar mi opinión sobre si Lucas y su equipo de sabios deben seguir adelante con una nueva entrega o si, por el contrario, deben dejarla aparcada o quizás incluso guardada en el baúl de los recuerdos en vez de secarla como hicieron con la saga de Star Wars que en paz descanse.
Como ya dije la semana pasada, cada vez que en España se elije un representante español a nivel internacional siempre hay una parte importante de españoles que muestra su queja. Con la película de Cuerda sobre la posguerra española Los girasoles ciegos, seleccionada por la Academia de Cine como representante española en los Oscars 2008, no iba a ser menos. He leído y escuchado que dos críticos de cine de la emisora de radio española Cadena COPE ha calificado a Los girasoles ciegos como una película "anticlerical" y "de muy baja calidad". Se trata de Teresa Ekobo y Jerónimo José Martín.
Percibo, por el contrario, un interés partidista en ambos críticos. Creo que la labor de un crítico se debe centrar en analizar las películas y no en quedarse en aspectos que no son intrínsecos a la obra. Se quejan de lo mal parada que sale la iglesia en la película, cosa bastante lógica viniendo de la emisora de la iglesia católica española. Sin embargo, ¿no creen los críticos que deberían dejar de lado esas cuestiones religiosas y centrarse en los aspectos artísticos de la película, es decir, en analizar la película como obra individual y concepto uniforme.
En mi opinión, tras escuchar las declaraciones de Martín me queda la duda de si este señor entiende la tarea de un crítico como la de una persona que debe dedicarse a analizar películas partiendo de patrones cinematográficos o si debe, por el contrario, de seguir la línea editorial de la emisora de radio para la que trabaja. Creo que para eso ya están los diferentes directores de los diferentes programas de radio de la emisora. Criticar a la película por mostrar "un anticlericalismo que ya parecía superado pero que parece que resurge de nuevo", me parece equivalente a que cualquier país latinoamericana hiciera una película sobre las matanzas de Hernán Cortes y desde España se les criticara por volver a mostrar una hispanofobia que ya parecía superada. No tiene sentido dentro del cine ni dentro de la crítica. Sinceramente lo digo, y me pregunto si Martín conoce los conceptos básicos de la crítica o si se queda en mero altavoz de sus jefes. Que la iglesia cometió barbaridades durante la posguerra es algo tan claro como el agua. ¿Por qué no se puede mostrar eso en una película? Los motivos de la iglesia para hacer eso son parte de otro debate pero que la iglesia apoyó durante la década de los 40 al mantenimiento de una fortísima represión hacia los perdedores de la guerra civil no tiene vuelta de hoja.
Yo sé que a los directores de la emisora no les hará gracia. Y lo entiendo perfectamente. Pero es que un crítico de arte debe ser ajeno y mostrarse impermeable ante todo eso. Y criticar a una película con respecto a unos patrones cinematográficos y no a si me gusta cómo sale retratada la iglesia o no. Eso puede formar parte de una crítica de cine pero de un modo secundario y nunca como base para fundamentar un análisis crítico de una película. Ese es el problema principal de estos críticos.
También queda para el futuro próximo, el pronóstico de Martín al decir que las otras dos encajaban más en el gusto hollywoodiense. Yo pienso todo lo contrario aunque eso no quita que pueda no pasar el corte. Pasar el corte para llegar a estar entre las cinco nominadas a mejor película de habla no inglesa es, probablemente, lo más difícil de conseguir de entre todos los premios Oscars. Ya vimos que la multipremiada Volver de Almodóvar no pasó el corte a pesar de todo el apoyo de Sony y la fama del director manchego en el país norteamericano. Si pasa el corte, esta película tiene muchas posibilidades. Ya veremos qué pasa.
Hace un rato, mientras almorzaba, he visto el anuncio de una película que, desde el principio, me recordaba algo familiar. Una chica con un micrófono está siendo grabada a la puerta de una estación de bomberos mientras se dispone a hacer una serie de entrevistas a los bomberos que están esa noche de guardia.
A los que hayan visto la película española REC, de Balagueró y Plaza, esta simple descripción les será suficiente para saber que se trata de esta película. En REC asistimos al visionado de una historia a partir de las imágenes que el cámara que graba a la chica. Una vez que se encuentran realizando el reportaje en una estación de bomberos de Barcelona, se recibe una llamada desde un edificio céntrico. Lo que se encuentran en dicho edificio compone el motor principal de esta película de terror en primera persona que ha sido un éxito de taquilla y que está entre las pre-nominadas para el premio de Mejor Película Europea del año junto con El Orfanato.
El remake norteamericano se titula Quarantine y, por lo visto en el trailer televisivo y en la página oficial de la película, es una copia exacta de la película española con sólo dos diferencias: ésta es en inglés y tiene lugar en Los Ángeles. Hasta la camiseta de la reportera es la misma como pueden comprobar en las fotos adjuntas. Me recuerda mucho al remake estrenado este verano de la película de Haneke Funny Games. El estreno en Estados Unidos está previsto para el día 10 de octubre.
El hecho de que los americanos hayan realizado esta película u otras puede ser un síntoma de la indisposición de éstos al cine extranjero que hace que las grandes productoras y distribuidoras norteamericanas vean un filón en estos remakes. El motivo de esta indisposición es un tema de debate que algún día traeré a este blog en mayor profundidad.
Dentro de lo que no parece uno de los mejores años del cine español, Hollywood ha comprado los derechos de dos películas españolas. Falta esperar si el remake de Los Cronocrímenes de Nacho Vigalondo, cuyos derechos han sido adquiridos por Tom Cruise, será tan fiel al original.
Nos ha dejado un grande, una de esas personas que la historia del cine siempre tendrá presente.
Cada vez que fallece un grande, hay una generación de personas que se siente más afectada que otras. Estoy seguro de que hoy, aquellos que fueron jóvenes entre los 50 y 60, habrán sentido algo especial que les habrá hecho recordar un pasado que nunca desaparece.
Por los siglos de los siglos. Descanse en PAZ, Mr. Newman, Pa Newman.
La película de José Luis Cuerda, Los girasoles ciegos, ha sido preseleccionada por la Academía Española de Cine para representar a España en los Oscars de 2008. La Academía de Estados Unidos tendrá ahora que decidir si quiere que la película española esté en las 5 finalistas o nominadas para el premio a la mejor película de habla no inglesa. Para eso habrá que esperar unas semanas todavía.
La película narra las historias de varios personajes sufridores en la España de posguerra y ha dejado fuera de la lucha por los premios a la película de Gracia Querejeta, Siete mesas de billar francés, y a la de José Luis Garci, Sangre de Mayo.
Tengo que decir que no he visto ninguna de las tres películas todavía aunque tengo muchas ganas de hacerlo. Cuando lo haga, que espero que sea antes de la Ceremonia, escribiré otro artículo dando mi opinión acerca de la decisión de la Academia. No me cabe duda de que habrá un grupo de españoles que no estén contentos por la elegida por las connotaciones políticas e históricas que plantea, especialmente la iglesia católica, la cual aparece representada en un papel sostenedor de la represión franquista. Sin embargo, es algo a lo que ya deberíamos estar acostumbrado los españoles. Cuando se escogió a la película de Garci entre las pre-seleccionadas, hubo un grupo que manifestó su indignación por las continuas nominaciones que recibe el director madrileño a pesar de ser su cine, de acuerdo con la opinión de este grupo, rancio y falto de sustancia. El deporte preferido por los españoles es perpetuar la falta de consenso y quejarse por todo cuando se escoge algo que nos representará a nivel internacional.
A pesar de no haberlas visto aún, he leído mucha crítica sobre la película de Querejeta y Cuerda (nada sobre Garci puesto que no se ha estrenado todavía a nivel nacional) y creo que la Academia ha hecho bien seleccionando esta película. El tema de la Guerra Civil española es muy atractivo para la sociedad americana y a partir de ahí podemos jugar nuestras bazas. Sin embargo, no hay que confiarse. Sólo hay que recordar lo que ocurrió cuando se seleccionó a Volver de Almodóvar. Todos confiabamos en la nominación segura y terminó no pasando el corte.
Desde aquí le deseo mucha suerte al gran director José Luis Cuerda y a todo el equipo de la película.
Esperamos que gane en Hollywood en febrero de 2009. Aunque sólo sea en homenaje al mejor guionista español del siglo XX: Rafael Azcona.
NOTA: Antes de empezar a leer, quiero advertirte de que en este análisis se va a desvelar información relevante sobre el desarrollo de la trama de la película en cuestión.
Vamos a comenzar los análisis de películas de este blog con la pelicula de 1967 En el calor de la noche, dirigida por Norman Jewison y protagonizada por Sidney Poitier y Rod Steiger. La película de Jewison, realizador de grandes obras como El violinista sobre el tejado (1971) o Jesucristo Superstar (1973), está basada en la novela homónima de John Ball publicada en 1965. La novela ganó el prestigioso Premio Edgar Allan Poe concedido por la Asociación de Escritores de Misterio de Norteamérica. La novela tuvo tanto éxito que Ball comenzó a escribir una serie de novelas, hasta un total de siete, basada en el personaje principal, Virgil Tibbs, en el cual éste va resolviendo casos misteriosos allá donde va.
In the Heat of the Night ganó un total de 5 Oscars de la Academia incluido el de Mejor Película, el de Mejor Actor a Rod Steiger y el de Mejor Guión Adaptado a Stirling Silliphant, conocido por escribir también el guión de El coloso en llamas y por ser íntimo amigo de Bruce Lee llegando a escribir guiones para las primeras películas de éste en Estados Unidos.
La película comenzó siendo controvertida desde el principio y no pudo filmarse en el Deep South (Sur Profundo) viéndose el equipo obligado a rodar en los estados de Illinois y Tenessee. El éxito de la película hizo que se produjeran dos secuelas más con Sidney Poitier, de nuevo, en el papel protagonista, tituladas They Call Me Mister Tibbs y The Organization en 1970 y 1971 respectivamente.
La película tiene lugar en la ciudad de Sparta en el estado de Misisipi y comienza mostrándonos cómo un oficial de policia encuentra el cadaver de un hombre. Se trata de un forastero que había venido a la ciudad a construir una fábrica que, como se nos cuenta después, daría trabajo a mil personas. Después de eso, el mismo policía se encuentra con Virgil Tibbs, el personaje interpretado por Sidney Poitier, que está esperando el tren que va a Memphis, y lo detiene y lleva a comisaria como sospechoso del crimen sin tener ninguna prueba de ello. Al llegar a comisaria, Tibbs será presentado ante el comisario Bill Gillespie, interpretado por Rod Steiger. Este momento se puede considerar el verdadero inicio de la película porque estos dos personajes serán los que mantengan el hilo dramático de la historia. El desencadentante del tema que se cuenta en la película es lo que hemos visto hasta este momento. Sin embargo, eso entra dentro del conocimiento que el espectador necesita para entender la verdadera trama que no es otra que la relación entre Tibbs y Gillespie y las reacciones que provoca dicha reacción en estos dos personajes así como en el resto de personajes que integran el universo de la pequeña ciudad de Sparta.
Soy un cinefilo que empezó a enamorarse del cine a los 9 años gracias a las recomendaciones de mi abuelo y a la admiración que éste sentía por actores como Charles Laughton, Tyrone Power, Errol Flynn, John Wayne y un largo etcétera de lo que se conoce como los elementos fundamentales del cine americano de las décadas de los 30, 40 y 50. La primera película que me recomendó fue "Testigo de Cargo" de Billy Wilder. Estarán de acuerdo conmigo en que si después de ver esta obra maestra no me empieza a gustar el cine poco más se podría haber hecho por mí y mi relación con el séptimo arte. A partir de entonces, cayeron muchos de los clásicos de estas décadas: cine de aventuras, policíaco, drama, suspense, comedía... Luego pasamos a los clásicos del cine español gracias a una serie de películas veraniegas emitidas por Canal Sur bajo el título de "Antología del cine español" como "Marcelino pan y vino", "Muerte de un Ciclista" o "El Clavo". Después de ver este ciclo, entender a gente como Almodóvar, Berlanga o Garci fue mucho más fácil y divertido. Desde entonces guardo un gran respeto por los consejos de mi abuelo al que estaré eternamente agradecido por haberme sabido transmitir su pasión por el cine. Sin él, yo hoy no estaría aquí escribiendo sobre cine. De eso no me cabe la menor duda.
Para que puedan tener una idea general de mis gustos cinematográficos debo decirles que Hitchcock, De Sica, Wyler, Wilder, Capra, Berlanga y John Ford son mis creadores favoritos de todos los tiempos. En la actualidad me gusta el cine de David Lynch, Scorsese, Ridley Scott, Almodovar, Garci, Spielberg (aunque éste hace ya unos años que no hace nada que me merezca la pena) y los hermanos Coen, entre otros, por supuesto. Mis películas favoritas son "Vertigo", "El Apartamento", "Qué bello es vivir", "Placido", "Centauros del Desierto", "El Padrino", "Lo que el viento se llevó", "El Mago de Oz", "Hable con ella", "En el Calor de la Noche","Ladrón de Bicicletas", "Los mejores años de nuestras vidas" y un infínito etcétera. Cuando se da una lista de directores y películas favoritas se corre siempre el riesgo de dejar alguien imporante a fuera de manera inconsciente con lo que ya aviso de que seguro yo cometí ese pequeño y perdonable error.
Este blog que empieza hoy quiere ser un lugar de encuentro de personas con una pasión común, el cine, que les gusta hablar de ello y analizar en profundidad tanto obras maestras de todos los tiempos como películas de reciente estreno teniendo siempre presente un denominador común: el análisis crítico de una obra cinematográfica no tiene porque ser excluyente sino atrayente, es decir, todas las opiniones son válidas siempre y cuando presente una base lógica fundamental y se exprese con educación y respeto hacia los demás. Si todos tenemos esto en cuenta, estoy seguro de que este blog será un lugar del que todos saldremos con la sensación de haber aprendido algo nuevo.
Espero que éste sea el comienzo de una gran y larga amistad...
.JPG)
Entradas
.jpg)
.jpg)
